“Youssef Chahine est décédé à 03H30 ce matin à l’hôpital militaire de Maadi”, dans la banlieue du Caire, a déclaré son ancien disciple, le réalisateur Khaled Youssef.

Youssef Chahine avait été hospitalisé en France pendant un mois à la suite d’une hémorragie cérébrale survenue en Egypte, qui l’avait plongé dans le coma à la mi-juin.

Ceux qui ont tourné sous sa direction, ou à ses côtés, car sa vocation première était d’être acteur, le décrivent comme une “personnalité mythique du cinéma arabe”, a dit l’actrice égyptienne Yosra.

Le réalisateur, scénariste et producteur, né en 1926, avait obtenu en 1997 le Prix du cinquantième anniversaire du Festival de Cannes pour l’ensemble de son oeuvre.

C’est l’actrice française Isabelle Adjani qui lui avait remis le prix, en saluant “son humanité, sa tolérance et son courage, en des temps difficiles et troublés”.

Parmi ses films les plus connus figurent “Le Destin” (1987), une dénonciation du fanatisme, ainsi que “La Terre” (1969) et “Alexandrie, Pourquoi” (1978), premier volet d’une trilogie autobiographique.

C’est lui qui découvrit au début des années 50 Omar Charif, l’autre grand nom du cinéma égyptien, seul grand acteur arabe de stature internationale.

Eduqué en français et en anglais, Youssef Chahine était parti étudier à 21 ans le cinéma en Californie.

Il s’insurgea contre l’islamisme, lui qui connut dans son enfance une Egypte tolérante et multi-ethnique, où les chrétiens comme lui, mais aussi les juifs, vivaient en harmonie.

Très critique envers le régime égyptien, son dernier film, “Le chaos”, co-réalisé avec Khaled Youssef en 2007 et qui dépeignait la corruption et la torture en Egypte, ne remporta pas le succès qu’il escomptait dans son pays ni à l’étranger.

Francophone et francophile, Youssef Chahine avait été décoré de la Légion d’honneur française en novembre 2006.

Le cinéaste était marié à une Française, Colette. Il n’avait pas d’enfants.

En France, où les réactions ont été nombreuses, le président Nicolas Sarkozy a salué “un fervent défenseur de la liberté d’expression” qui a “cherché, tout au long de sa vie, à travers l’image, à dénoncer la censure, le fanatisme et l’intégrisme”.

Le Premier ministre François Fillon lui a également rendu hommage, ainsi que l’ancien président Jacques Chirac qui a évoqué “un ardent défenseur de la tolérance et du respect”.

Voiçi l’affiche du Film ainsi que sa bande d’annonce :

Oeuvre à part et très personnelle de Francis Ford Coppola, ‘Le Parrain’ reste son chef-d’oeuvre ultime. Le film dresse le portrait des Corleone, l’une des cinq familles mafieuses d’origine sicilienne régnant sur la ville de New York en 1945, représentée par le chef de famille, Don Vito, patriarche vieillissant respecté de ses proches et qui fait figure de modèle parmi ses pairs. Si Coppola reste si attaché à cette histoire, c’est avant tout car, étant lui-même d’origine italienne, l’ensemble des thèmes brassés par le roman de Mario Puzo lui semblent familiers, et notamment cette idée centrale, soulevée tout au long du livre, d’une famille unie et soudée face à la violence et l’affront. Ce n’est pas un hasard si l’on retrouve dans la trilogie, toute la famille du réalisateur, à commencer par son père, Carmine Coppola, qui a composé certains thèmes musicaux du film, sa mère, Italia Coppola, sa soeur, Talia Shire, et ses enfants, Roman et Sofia, aujourd’hui cinéastes.

Bien qu’entouré de son “clan”, Coppola aura eu toutes les peines du monde à réaliser son film. Pression et mainmise permanente des studios ainsi que leur refus, dans un premier temps, d’engager Marlon Brando dans le rôle de Don Vito Corleone, la trilogie du ‘Parrain’ sur grand écran n’est pas née sous les meilleurs auspices. Retour sur cette saga magistrale désormais érigée au rang de culte.

Un casting monumental

1971, Paramount a acheté les droits du roman de Mario Puzo, ‘Le Parrain’, publié en mars 1969, qui s’inspire de deux figures de la mafia new-yorkaise, Frank Costello, mort en 1973, et Vito Genovese, mort en 1969. Le studio souhaite porter le livre à l’écran. Pour ce qui est du réalisateur, la Paramount a plusieurs noms en tête : elle pense un temps à Sergio Leone (qui refuse, choix qu’il dira avoir regretté par la suite), Peter Bogdanovich, réalisateur de ‘La Dernière Séance’ (1971), et Francis Ford Coppola. De prime abord, celui-ci se montre sceptique, bien qu’ayant à peine effleuré le roman de Puzo. Etant persuadé que ‘Le Parrain’ n’est ni plus ni moins qu’un simple polar sur la Mafia, il reconsidère quelque temps plus tard son jugement en faisant savoir qu’il apprécie avant tout l’aspect très fort des liens familiaux, qui trouvent écho avec ceux qui le lient à sa propre famille. Mario Puzo l’affirme lui-même, ‘Le Parrain’ est avant tout l’histoire d’une famille et non pas du crime. Notons d’ailleurs que le mot “Mafia” n’est jamais employé dans le film. Coppola décide donc de s’atteler au projet d’adaptation en imaginant déjà Marlon Brando dans le rôle du Parrain. Réaction immédiate de la production qui s’oppose à sa décision, en partie car Brando sortait d’un échec cuisant, ‘Queimada’ (1969) de Gillo Pontecorvo. La Paramount pense plutôt à Frank Sinatra, Ernest Borgnine, Edward G. Robinson, et va même jusqu’à envisager d’engager le producteur italien Carlo Ponti (le mari de Sophia Loren).

Mais avec la détermination qu’on lui connaît, Coppola parvient à ses fins, malgré les remontrances des studios. Brando, qui a dû passer des essais pour le film et qui se métamorphose totalement sous les yeux du réalisateur (il se met du coton dans les joues pour assimiler son personnage à un bouledogue), est offusqué par le rejet initial de la Paramount. Il refusera à la fois de faire toute promotion pour le film et d’apparaître dans le second volet de la trilogie. Afin de compléter le casting masculin du film, Coppola fait appel à deux acteurs qu’il connaît déjà pour les avoir dirigé dans ‘Les Gens de la pluie’ en 1969 : James Caan interprétera le personnage de Sonny Corleone, l’aîné, et Robert Duvall celui de Tom Hagen, l’avocat et conseiller de la famille que Don Corleone considère comme son propre fils. Don Vito a trois autres enfants, Fredo incarné par John Cazale, Connie, la cadette, représentée par Talia Shire, et Michael, joué par Al Pacino. Ce dernier subit les mêmes critiques que Brando : la Paramount et notamment son patron, Robert Evans, le trouve terne et trop transparent. Celui-ci aurait préféré voir Robert Redford dans le rôle de Michael en pensant qu’il aurait parfaitement pu jouer un Italien du Nord !
Au final, Coppola est satisfait de ses choix d’autant plus qu’il a su s’affranchir des studios en imposant un casting d’acteurs rêvé par tout grand cinéaste.

Les coulisses d’une grande saga

‘Le Parrain’ est l’oeuvre majeure et la plus aboutie de Coppola, il a cru en ce projet depuis le début et a certes connu des déboires avec les studios, mais sa foi inébranlable a fini par l’emporter. L’influence de la propre vie du cinéaste et de sa famille s’en ressentent fortement, lui l’Italo-Américain originaire de Détroit. Avec un budget de 6 millions de dollars, l’équipe du film investit les décors naturels de New York durant 62 jours. Encore une fois, le tournage n’aura pas été de tout repos pour Coppola. En effet, le manager de la Paramount, insatisfait suite au visionnage des premiers rushes, souhaite le limoger et le remplacer par Elia Kazan, déjà auteur de nombreux chefs-d’oeuvre dans les années 1950 et 1960 aux Etats-Unis. Marlon Brando se manifeste alors en faisant savoir qu’il quitterait le film si Coppola était renvoyé. Le tournage reprend son cours et une fois les prises de vues terminées, Coppola livre une première mouture de 126 minutes ne convenant pas à Robert Evans. Ce dernier en demande une plus longue avec davantage de séquences de famille. Le réalisateur rajoute donc 50 minutes supplémentaires à la version finale du film, qui sort le 15 mars 1972 sur les écrans américains. L’événement fait fureur, rapportant plus de 245 millions de dollars dans le monde entier. Le film laisse la part belle à la musique, écrite par le compositeur italien Nino Rota, indissociable du maître Fellini, qui signe une partition mélancolique, onirique et qui annonce d’une certaine manière la fatalité du clan Corleone. C’est une belle revanche pour Coppola qui, après avoir essuyé un échec avec son précédent opus ‘Les Gens de la pluie’ en 1969, et qui a dû encaisser de nombreux coups de la part de la Paramount, peut enfin se réjouir d’avoir réalisé l’une des plus belles et des plus fidèles adaptations de roman sur grand écran. Avec ‘Le Parrain’, Coppola réalise un film violent d’une rare puissance. Il dresse le portrait tragique d’une famille d’immigrés italiens dont la force des liens du sang constitue le moteur et en fait toute la grandeur.

Deux suites clôturent la saga

Suite au succès public et critique du ‘Parrain’ en 1972, Coppola décide de donner non pas une mais deux suites au film et obtient des budgets plus confortables. ‘Le Parrain 2e partie’ (13 millions de dollars de budget) qui sort le 12 décembre 1974 aux Etats-Unis, revient sur la jeunesse de Don Vito, incarné par Robert de Niro qui apprend l’italien, part vivre en Sicile pour les besoins du rôle et s’inspire de la gestuelle et des expressions de Marlon Brando. Le talent du comédien éclate et lance sa carrière. Il raflera l’oscar du meilleur second rôle. Il faudra attendre le 25 décembre 1990 pour découvrir sur grand écran la dernière partie de la saga centrée sur la tentative de rédemption de Michael Corleone, personnage physiquement épuisé et au bord du rouleau.

‘Le Parrain’, pièce maîtresse de l’histoire du cinéma et de la carrière de Coppola, maintes fois copié et jamais égalé, reste encore aujourd’hui dans le tiercé des films les plus plébiscités par le public.

Article originale de Sabrina Piazzi - Source : Evene.fr

Hancock, dans lequel Smith se fait aider par un agent de communication (Jason Bateman) pour redorer son blason auprès de l’opinion, est la deuxième meilleure sortie pour Will Smith, après “Je suis une légende”, qui avait engrangé 77,2 millions $ en décembre dernier.

Ce n’est plus un secret pour personne : Sara Tancredi (jouéepar Sarah Wayne Callies) revient dans la quatrième saison de la célèbre série Prison Break. Tant mieux pour le pauvre Michael Scofield (Wentworth Miller).

La quatrième saison aura un titre majeur : Celui du combat entre Michael Scofield et le Cartel ; et pour parvenir à son objectif, Scofield devra faire alliance avec des partenaires très improbables tel T-Bag (Robert Knepper), Bellick (Wade Williams) ou encore Mahone (William Fichtner). Il pourra compter bien évidamment sur son frere et Sucré (Amaury Nolasco) sans oublier Sara Tancredi.

D’autres sources ont également apporté que Michael Scofield laissera tomber ses fameux tatouages, devenus une marque emblèmatique de toute la série Prison Break ! mais ceci reste bien incertain.. en tout cas, la diffusion de la première épisode sera pour le 1er Septembre 2008 aux USA sur Fox TV ! une première épisode qui sera exceptionnellement longue de deux heures, de quoi satisfaire les nombreux amateurs et fans de la série assoifés de l’envie de savoir la suite des évènements !

À la mort de son père en 1914, il doit trouver un emploi et entre à la compagnie Henley, qui fabrique des câbles électriques ; son travail dans la publicité développe ses talents de graphiste.

Sa carrière cinématographique débute en 1921 lorsqu’il est engagé par les studios américains de la Famous Players-Lasky à Islington. Pendant deux ans, il va dessiner des intertitres. Durant cette période, il côtoie le réalisateur George Fitzmaurice, qui dessinait ses films plan par plan ; Hitchcock appliquera cette méthode quand il réalisera ses propres films.

En 1922, il tente de produire et de réaliser son premier film - Number Thirteen - mais le projet sera abandonné. Hitchcock est ensuite assistant-metteur en scène dans la compagnie fondée par Michael Balcon. C’est ainsi qu’en 1923, il rencontre sa future femme Alma Reville lors du tournage de Woman to woman.

Contrairement à d’autres réalisateurs perçus comme plus littéraires, Hitchcock montre très tôt un goût pour la technique. Pendant ses années de formation, il s’implique dans tous les domaines : décors, costumes, scripts… Son perfectionnisme lui vaudra par la suite de nombreuses scènes cultes. Comme le cinéma allemand est alors un des plus aboutis, il complète ses connaissances entre 1923 et 1925 en travaillant à Berlin pour l’UFA en tant que décorateur puis scénariste. Il restera profondément marqué par cette expérience et s’inspirera des réalisateurs expressionnistes.

En 1926, il réalise son premier film - Le Jardin du plaisir (The Pleasure Garden) - puis un second la même année - The Mountain Eagle - qualifié par Hitchcock de mauvais film et d’ailleurs désormais perdu.
 La période britannique :

Le premier grand film du « maître du suspense » est sans aucun doute The Lodger, réalisé en 1926. On y trouve déjà la plupart des éléments des succès futurs : une jeune femme blonde, un assassin, un homme accusé à tort… Hitchcock enchaîne avec des réalisations qui ne remporteront pas un succès important et que, pour certaines, tel Champagne (1928), il critiquera lui-même. 1929 marque une année charnière : Chantage, dont Hitchcock tourne d’abord une version muette, sort peu de temps après dans une version sonore, avec quelques scènes que le réalisateur refait entièrement afin de pouvoir y utiliser la révolution technique que constitue alors l’arrivée du parlant. Avec ce Chantage, c’est aussi le premier film parlant du cinéma britannique que Hitchcock réalise ; et lui-même ne devait plus tourner aucun film muet par la suite.

Les réalisations vont se succéder à un rythme régulier. Certaines, tel L’Homme qui en savait trop (1934) — dont le réalisateur tournera un remake en 1956 — recevront un accueil enthousiaste de la part du public. Remarquons que beaucoup de films de la période britannique de Hitchcock ont pour thème l’innocent accusé à tort, obligé de s’enfuir et dans le même temps de prouver son innocence[1] ; c’est le cas par exemple des 39 marches ou de Jeune et innocent. Vers la fin des années 1930, le réalisateur commence à jouir d’une certaine réputation auprès du public américain ; il est alors au sommet de son art. C’est ainsi que David O. Selznick lui propose de venir travailler à Hollywood. Hitchcock accepte et, à partir de ce moment, c’est aux États-Unis qu’il tournera quasiment tous ses films.
 La période américaine :

Selznick voulait qu’Hitchcock réalise un film sur l’histoire du Titanic ; néanmoins Hitchcock parvient à imposer son film — Rebecca (1940). Des tensions naissent entre les deux hommes quant à l’importance du montage, au choix et à la direction des acteurs et à la fidélité à laquelle est tenue un réalisateur[2]. Hitchcock ne réalisera que quatre films pour Selznick (Rebecca en 1940 ; La Maison du docteur Edwardes en 1945 ; Les Enchaînés en 1946 et Le Procès Paradine en 1947) avant de décider qu’il vaut mieux être son propre producteur en 1947. Cependant, produire un film coûte cher et les premières œuvres indépendantes d’Alfred Hitchcock (La Corde et Les Amants du Capricorne) n’ont guère de succès au box-office. C’est ainsi que pressé par ses créanciers et par son agent, Les Wasserman, il accepte en 1955 de prêter son nom et son image à une série télévisée intitulée d’abord Alfred Hitchcock présente (1955-1962) pour un salaire de 129 000 $ par épisode de 30 minutes. De 1962 à 1965, la série prendra le titre de Suspicion.

Son rôle y est toutefois limité et cela relève de son propre choix. Il écrit et présente l’introduction de chacun des épisodes et en choisit les scripts (rôle qu’il confiera à partir de 1959 à Joan Bennett son assistante et amie). Contrairement à ce que beaucoup de spectateurs croient à l’époque, la série Alfred Hitchcock présente est fort peu révélatrice de ses particularités et de ses talents en tant que concepteur, scénariste, monteur et réalisateur. De fait, sur les 368 épisodes télévisés, Hitchcock n’en réalisera que 20.

Les films réalisés et produits par Hitchcock entre 1954 et 1963 sont en général considérés comme ses plus grands chefs-d’œuvre. Citons notamment Sueurs froides (1958) ou Psychose (1960) d’après le roman de Robert Bloch. Avec les Oiseaux en 1963, Hitchcock tente de faire réfléchir le spectateur sur la place de l’Homme : « Et si mère Nature reprenait le dessus ? ».

Les films qui suivront seront moins personnels - peut-être aussi moins ambitieux. L’âge commence à se faire sentir, le cinéma est en crise à cause de l’arrivée de la télévision dans les ménages et Hitchcock a perdu deux de ses plus proches collaborateurs : Bernard Herrmann, son musicien, et Robert Burks, le directeur de la photographie. Sans être toutefois des « navets », les films réalisés après Pas de printemps pour Marnie (1964) n’ont pas la même dimension que ceux de son âge d’or.

Après l’échec du Rideau déchiré et de L’Étau, Hitchcock retrouve le succès avec Frenzy, en 1972. Puis, Complot de famille en 1976 reçoit les hommages de la critique. Le réalisateur prépare, en 1978, un nouveau film d’espionnage très prometteur, The Shorth Night. Mais devant la difficulté du tournage, il met fin à sa carrière et prend sa retraite.
 L’influence hitchcockienne :
 
Psychose, Hôtel des Bates : lieu de tournage de la scène principaleSi aujourd’hui Hitchcock est considéré par beaucoup comme l’un des plus grands réalisateurs de cinéma, cela n’était pas le cas lors de la sortie de ses films. Peu aimé de la critique, il était accusé de toujours refaire la même histoire ou de faire ses films en fonction du public. À cela, Hitchcock répondait qu’il ne comprenait pas l’attitude nombriliste de certains réalisateurs qui font des films pour eux-mêmes.

Néanmoins, Hitchcock a toujours été plébiscité par le public. De plus, de nombreux films, clins d’œil à Hitchcock, ont été faits tel Psycho (1998) de Gus Van Sant qui reprend à quelques détails près les mêmes plans que l’original mais est tourné en couleurs. Ce film fut un échec.

Aujourd’hui, de nombreux réalisateurs s’inspirent directement du travail d’Hitchcock. Il est le premier à avoir appliqué dans ses films toutes les « recettes » du suspense et des scènes d’anthologie toujours appréciées - la douche dans Psychose - montrent à quel point il reste populaire.

Parmi les réalisateurs actuels, celui qui se veut le plus hitchcockien est sans doute Brian De Palma.
 Le cinéma hitchcockien :

Nous nous appuierons sur Psychose, Sueurs froides, Les Oiseaux et Fenêtre sur cour pour déterminer les éléments récurrents du cinéma d’Hitchcock.
 Le suspense :

Le suspense doit se distinguer de la surprise, plus caractéristique du cinéma d’horreur ou d’épouvante. Dans les films d’Hitchcock, justement surnommé le « maître du suspense », le suspense est obtenu par un décalage entre ce que le spectateur sait et ce que le personnage voit. L’attente anxieuse du spectateur peut ensuite être renforcée par une musique accentuée, des ombres, des effets de lumière… Dans le cinéma d’horreur, l’effet de surprise consiste à faire apparaître une chose (ou un personnage) inattendu et souvent terrifiant alors que ni le personnage ni le spectateur ne s’y attendaient. Mais dans les films hitchcockiens, l’anxiété du spectateur augmente au fur et à mesure que le personnage reste inconscient du danger. Il se demande ce qui va arriver quand il l’apercevra enfin. Tous les films d’Hitchcock s’appuient sur cet effet.

Ainsi, dans Fenêtre sur cour, le spectateur est seul à voir le voisin d’en face sortir de son appartement avec une femme ; Jeffries dort à ce moment. De même, quand le détective monte les escaliers du manoir dans Psychose, le spectateur voit la porte s’entrouvrir et il est seul à prévoir le meurtre du détective. Sueurs froides est aussi particulièrement significatif puisque le spectateur apprend par un flash-back, dès le début de la seconde partie du film, la véritable identité de Judy et tout le complot monté contre Scottie. Le spectateur s’interroge ainsi sur la tournure que vont pouvoir prendre les évènements.
 Le MacGuffin :

Des critiques reprochaient à Hitchcock de toujours faire le même film. Il y a d’abord un élément déclencheur « Le MacGuffin » et un personnage lambda devient héros du film. Il est vrai que la plupart de ses films adoptent cette structure. Le MacGuffin (ou élément déclencheur) de Psychose est l’argent volé au patron ; celui de Les Oiseaux est le couple d’inséparables… Leur importance dans le film diminuera progressivement jusqu’à ne plus avoir aucun rôle, tant le personnage est emporté par les évènements. Ainsi, le psychiatre à la fin de Psychose remarque lui-même que « c’était un crime passionnel » et donc que les 40 000 $ n’ont eu aucun rôle dans l’action. Norman Bates n’en avait d’ailleurs pas connaissance ; l’argent n’a servi qu’à conduire Marion Crane vers le Motel Bates, et vers sa perte.
 Les femmes :
 
Ingrid Bergman dans Les EnchaînésHitchcock entretient des rapports difficiles avec les femmes dans son enfance et son adolescence. Il est un enfant solitaire et ne s’y « intéressera » que vers l’âge de 20 ans. Dans ses films, les figures féminines sont souvent les plus noires. D’une part, les jeunes femmes blondes représentent souvent le mal ; dans Les oiseaux, Melanie Daniels est accusée de sorcellerie, dans Sueurs froides, Judy est complice d’un meurtre. De plus, la figure de la mère est omniprésente et en opposition constante avec son fils. Cela aussi est visible dans les Oiseaux, où la mère a peur d’être abandonnée par son fils ; le paroxysme de cette relation est bien sûr présent dans Psychose où l’assassinat de sa mère déclenche le dédoublement de personnalité de Norman Bates.
 La nourriture :

Hitchcock était complexé par son poids, héritage de son père qui appréciait également la bonne cuisine. Différents acteurs et membres de l’équipe technique racontent qu’Hitchcock les invitait à dîner pour faire plus ample connaissance mais qu’ils parlaient davantage de gastronomie et du bon vin que du film en cours.

Dans ses films, la nourriture a un rôle important. Elle accentue le désir de Norman Bates pour Marion Crane dans Psychose, puisqu’il lui apporte les sandwiches afin de discuter avec elle. La fameuse scène du baiser dans Les Enchaînés est entrecoupée de propos sur le poulet. De même, l’invitation au dîner est souvent un désir d’un des deux personnages d’aller plus loin dans sa relation avec l’autre. Ainsi, Scottie invite Judy à dîner, Mitch invite Melanie, John « le Chat » et Frances partent en pique-nique respectivement dans Sueurs froides, Les oiseaux et La Main au collet ; une relation amoureuse peut débuter. Enfin, dans Fenêtre sur cour, Lisa est vue comme une femme parfaite et Jeffries semble l’admettre lorsqu’elle lui apporte son repas : « Parfait, comme d’habitude ».
 Les caméos :

Un caméo est l’apparition furtive (souvent muette) d’une personnalité célèbre dans un film. Hitchcock apparut d’abord dans les « Cheveux d’or » (1926) car il avait trouvé plaisant d’équilibrer lui-même un premier-plan (on le voit assis de dos à un petit bureau) devant une baie vitrée d’une salle de rédaction. Par la suite, ses caméos devinrent un jeu pour le spectateur et on peut le voir dans tous ses films de la période américaine. Mais en aucun cas cette apparition furtive ne doit freiner le déroulement de l’action et Hitchcock apparaît ainsi généralement en tout début de film pour que les spectateurs ne l’attendent plus et puissent être pleinement dans le film.

Les caméos d’Hitchcock révèlent un personnage assez paradoxal. Obsédé par son physique, il ne perdait pourtant pas une occasion de se montrer, contrairement à d’autres réalisateurs très discrets. Cela est une part de son humour cocasse, qui ponctue bien souvent ses films.

Des exemples de caméos :

Remontant une pendule dans l’appartement du pianiste Fenêtre sur cour.
Sortant de l’oisellerie avec ses (propres) chiens alors que Melanie y entre dans Les Oiseaux.

 Un M. Tout Le Monde innocent :

La plupart des personnages des films d’Hitchcock deviennent héros malgré eux. Parfois accusés à tort, ils doivent s’enfuir afin de prouver leur innocence. Marion Crane (Psychose) est une employée lambda, Mitch (Les oiseaux) un simple avocat… Le déroulement de l’action va les pousser à faire preuve de sang-froid et ainsi devenir héros. Hitchcock tient ainsi à montrer que ses histoires peuvent arriver à n’importe qui, et le fait que le spectateur s’identifie au personnage peut amplifier le suspense.
 Un spectateur complice :

Hitchcock réalise ses films pour le spectateur et il aime jouer avec eux. Dans Fenêtre sur cour, il nous amène à avoir la même attitude que Jeffries et Lisa : comme le dit cette dernière, « nous sommes déçus parce qu’un homme n’a pas assassiné sa femme ». Et la fenêtre de Jeffries, sorte d’écran de cinéma, nous place dans la même position que Jeffries. Évidemment le spectateur veut une victime et un meurtrier car il veut de l’action. Cela est aussi visible dans Psychose, où l’on espère que Norman Bates ne va pas oublier le journal — presque une preuve de sa culpabilité. De même, quand il veut faire disparaître la voiture dans le marais, celle-ci s’arrête un moment de s’enfoncer et le spectateur est aussi soulagé que Norman quand elle s’enfonce à nouveau.

La force d’Hitchcock est de rendre le spectateur complice du meurtrier, malgré lui.
 Hitchcock et les blondes :
 
Eva Marie Saint dans La Mort aux troussesLes « blondes sophistiquées » des films de Hitchcock sont devenues des paradigmes du cinéma, des figures fondatrices, et des images éternelles de l’imaginaire. Les blondes de Hitchcock sont toujours représentées comme étant froides. Les Oiseaux et Pas de printemps pour Marnie sont deux films clés pour qui veut saisir quelque chose entre la vie privée et l’œuvre du cinéaste. La raison tient à Tippi Hedren, la seule actrice à laquelle Hitchcock a osé déclarer sa flamme. On a l’impression que Hitchcock a réalisé Les Oiseaux pour malmener Tippi Hedren, l’effrayer, abîmer sa beauté insolente. Façon pour le moins maladroite de lui avouer son amour. C’est durant le tournage de Marnie, que Hitchcock va tenter de le lui avouer une nouvelle fois. Il va poursuivre lourdement Tippi de ses assiduités. Le ressort d’Hitchcock sera cassé, Marnie se terminera dans une lourde ambiance de bâclage et la carrière de Tippi Hedren sera brisée net. Tippi Hedren avait refusé toutes les avances d’Hitchcock durant le tournage des Oiseaux ; pour se venger, Hitchcock lança de vrais volatiles pour certaines scènes de film. Blessée physiquement et psychiquement, elle dut être soignée. Sur le plateau, déclare-t-elle dans une interview, il y avait en permanence une personne de la S.P.A. « C’est plutôt moi qui avait besoin d’être protégée. Je ne sais combien de fois j’ai été mordue, griffée, parfois cruellement, par les oiseaux pris de panique. Les hommes manipulant les mouettes et corbeaux portaient des gants, moi j’étais l’innocente cible inventée par Hitchcock ».

La fille de Hedren (Melanie Griffith) ayant grandi confia à Télérama : « J’ai toujours pensé que Hitchcock avait volé ma mère ». « Il était obsédé par elle et il a brisé sa carrière parce qu’elle ne voulait pas se laisser faire. Pour mes six ans, il m’a envoyé une boîte en forme de cercueil avec une poupée représentant ma mère telle qu’elle était dans les Oiseaux. C’était un malade ». La carrière de Hitchcock déclinera. Effrayés, les producteurs imposeront leurs propres blondes. Tippi Hedren, quant à elle, n’aura pas eu tout à fait la carrière prévue, mais deviendra encore plus célèbre après Pas de printemps pour Marnie, en tournant avec Charlie Chaplin, Marlon Brando, Sophia Loren, Jude Law, Mark Wahlberg ou encore Naomi Watts.

 
James Stewart et Kim Novak dans Sueurs froidesPour le film Sueurs froides , Hitchcock ne voulait pas au départ de Kim Novak, il voulait Vera Miles, et en faire « la nouvelle Grace Kelly ». On avait photographié son visage, doux et distingué, pendant des jours, tout était prêt. Mais Vera Miles était enceinte de son mari, Gordon Scott. Hitchcock voulut retarder le tournage après la naissance de l’enfant. Impossible. Il trouva alors sa vengeance : lui donner le second rôle féminin dans Psychose, celui de la sœur de Janet Leigh. Vera Miles avait le crâne rasé car elle jouait dans Cinq Femmes marquées et Hitchcock l’affubla d’une perruque qui détruisait sa beauté. Hitchcock déclare en parlant de Sueurs froides « Quand la Paramount a donné le rôle à Kim Novak, j’ai perdu tout intérêt pour le personnage et le film lui-même… » Ce qui est faux, à en voir le résultat. « Je crois avoir déçu Hitchcock. Je ne correspondais pas à son image de blonde idéale. À mon avis, il était conscient d’avoir commis une erreur en me choisissant, et il a décidé de tirer parti de cette erreur. C’est comme s’il avait voulu se mettre lui-même dans la peau de Scottie en espérant retrouver en moi une blonde à la Grace Kelly, ce qui n’était pas le cas, tout en espérant changer ma nature. Du coup on retrouve cette résistance à l’écran. »
 Les différents lieux de tournage :

Hitchcock, en grand perfectionniste, prenait soin de choisir les lieux où il tournait ses films et ses scènes.

Dans L’ombre d’un doute, Hitchcock choisit la petite ville de Santa Rosa, idyllique et pleine de charme, afin de renforcer l’aspect innocent de ses personnages et criminel de l’oncle Charlie. En 1958, il choisit San Francisco pour tourner son prochain long-métrage, Sueurs froides. Cette ville vallonée reflétait parfaitement les émotions de Scottie. Dans La mort aux trousses, il prend un champ vide pour tourner la scène mythique de l’avion. Cette espace vide permettait à Hitchcock de montrer à quel point la situation est inattendue et absurde.
 Filmographie :

À partir des années 1950, Hitchcock a décidé, non seulement de continuer ses films, mais aussi de lancer une série télévisée, Alfred Hitchcock présente, petites histoires à suspense, et également de prêter son nom pour des livres pour enfants, dont la série Les Trois Jeunes Détectives. Cela montre à quel point Hitchcock aime son travail et comment il le diversifie.
 Films muets

réalisateurs et réalisatrices

par récompense ou nationalité
Période britannique

Comme coscénariste, directeur artistique et assistant réalisateur de Graham Cutts :

1923 : Woman to Woman
1924 : L’Ombre blanche (White Shadow)
1924 : Abnégation (The Passionate Adventure)
1925 : Le Voyou (Die Prinzessin und der Geiger, en anglais The Blackguard)
1925 : The Prude’s Fall
Comme réalisateur :

1922 : Number Thirteen (inachevé et vraisemblablement perdu)
1925 : Le Jardin du plaisir (The Pleasure Garden)
1926 : The Mountain Eagle
1927 : Les Cheveux d’or (The Lodger)
1927 : Downhill
1927 : Le Passé ne meurt pas (Easy Virtue)
1927 : Le Masque de cuir (The Ring)
1928 : Laquelle des trois ? (The Farmer’s Wife)
1928 : Champagne
1929 : The Manxman
1929 : Chantage (Blackmail)

 Films parlants

Période britannique

1929 : Chantage (Blackmail)
1929 : Junon et le paon (Juno and the Paycock)
1930 : Meurtre (Murder)
1931 : The Skin Game
1932 : À l’est de Shanghai (Rich and Strange)
1932 : Numéro dix-sept (Number Seventeen)
1934 : Le Chant du Danube (Waltzes from Vienna)
1934 : L’Homme qui en savait trop (The Man who Knew Too Much) (fera l’objet d’une nouvelle version en 1956)
1935 : Les 39 marches (The 39 Steps)
1936 : Quatre de l’espionnage (The Secret Agent)
1936 : Agent secret (Sabotage)
1937 : Jeune et innocent (Young and Innocent)
1938 : Une femme disparaît (The Lady Vanishes)
1939 : La Taverne de la Jamaïque (Jamaica Inn)

Période américaine
 
Correspondant 17 (1940)1940 : Rebecca
1940 : Correspondant 17 (Foreign Correspondent)
1941 : Soupçons (Suspicion)
1941 : Joies matrimoniales (Mr. and Mrs. Smith)
1942 : Cinquième Colonne (Saboteur)
1943 : Lifeboat
1943 : L’Ombre d’un doute (Shadow of a Doubt)
1944 : Aventure Malgache
1944 : Bon voyage
1945 : La Maison du docteur Edwardes (Spellbound)
1946 : Les Enchaînés (Notorious)
1947 : Le Procès Paradine (The Paradine Case)
1948 : La Corde (The Rope)
1949 : Les Amants du Capricorne (Under Capricorn)
1950 : Le Grand Alibi (Stage fright)
1951 : L’Inconnu du Nord-Express (Strangers on a Train)
1952 : La Loi du silence (I confess)
1954 : Fenêtre sur cour (Rear Window)
1954 : Le crime était presque parfait (Dial M for Murder)
 
La Mort aux trousses (1959)1955 : Mais qui a tué Harry ? (The Trouble with Harry)
1955 : La Main au collet (To Catch a Thief)
1956 : L’Homme qui en savait trop (The Man who Knew Too Much) (nouvelle version du film de 1934)
1956 : Le Faux Coupable (The Wrong Man)
1958 : Sueurs froides (Vertigo)
1959 : La Mort aux trousses (North by Northwest)
1960 : Psychose (Psycho)
1963 : Les Oiseaux (The Birds)
1964 : Pas de printemps pour Marnie (Marnie)
1966 : Le Rideau déchiré (Torn Curtain)
1969 : L’Étau (Topaz)
1972 : Frenzy
1976 : Complot de famille (Family Plot)
1980 : The Short Night (Inachevé)

Source : Wikipédia.org

Beaucoup parmi vous n’auraient jamais peut être entendu parlé de cette dernière société; et on se demandera logiquement tous : qu’est ce qui importe Ubisoft donc dans cette société? En fait, cette société peu connu est derrièr plusieurs travaux cinématographiques très connus ! des exemples : le Film 300 , Sin city, la trilogie Spy Kids , Voyage au centre de la Terre , Snakes on a plane, etc.. Les plus curieux parmi vous peuvent consulter la liste complète ici.

Il n’est donc pas exclu de voir prochainement sur vos écrans le film d’aventures de Rayman , Mascote emblèmatique d’Ubisoft.

Cette performance vient en dépit des appels de boycotte lancés par plusieurs chinois nationalistes qui reprochent au film sa façon de le patrimoine chinois ou encore de dégrader l’image du panda, un animal “beau et sentimental”, avec son personnage drôle mais pataud.

celà dit, d’autres personnalités chinoises ont un avis tout à fait contraire ; toujours selon AFP, le réalisateur chinois Lu Chuan, cité par le quotidien China Daily, “Kung fu panda” présente une approche innovante de la culture chinoise, mêlant légendes et arts martiaux.

Synopsis du Film :

La jungle chinoise est envahie par une horde de léopards. Seule solution pour les autres animaux : s’en remettre à un guerrier prophétique censé les défendre. Problème, le sauveur s’avère être un panda tout ce qu’il y a de plus paresseux, qu’il faudra former afin qu’il devienne un maître incontesté du kung-fu.